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Cortometrajes que definieron la carrera de grandes directores

Estos cortometrajes no sólo llamaron la atención de la crítica, también definieron la carrera de grandes directores al cimentar sus estilos

El inicio de muchos directores de cine fueron los cortometrajes, un medio que les ha permitido experimentar diferentes estilos y narraciones que definirían sus posteriores largometrajes. Lo cierto es que no todos los directores han realizado cortometrajes exitosos, de hecho, algunos son meras decepciones debido a un estilo visual sobrecargado. Pero en este espacio no hablaremos de los fracasos, sino de aquellos directores cuyos primeros trabajos audiovisuales constituyeron los cimientos de una exitosa carrera.

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En este espacio encontraremos a aquellos directores cuyos cortometrajes definieron su carrera debido a que emergieron con fuerza en la escena, mientras que sus cortometrajes, además de haber sido aclamados por la crítica, los convirtieron en el centro de atención, atrayendo a los grandes estudios para financiar sus posteriores trabajos. Sin duda, estos cineastas son la inspiración de muchos directores emergentes, demostrando que si bien nadie comienza en la cima, el talento se puede demostrar desde el principio.

Andrés Muschietti - Mamá

La historia de este cortometraje es una mezcla de talento y suerte. Andrés Muschietti realizó un cortometraje titulado Mamá, el cual tuvo su presentación en el Festival de Sitges, sin embargo, no contaba con que el director mexicano Guillermo del Toro lo vería. El jalisciense comentó que este cortometraje hizo que sintiera un verdadero terror. Pero ¿qué hace especial a este corto? Pues, de acuerdo al mexicano, éste sobresale por su narrativa, el cual no tiene ningún corte de cámara, pero este efecto se logró gracias a una edición digital que borró los cortes. Del Toro declaró sobre esta obra lo siguiente:

Este cortometraje tiene un estilo limpísimo, técnicamente perfecto y está cargado de emoción, de terror y es sugestivo; pero, profundamente emocionante. Me demostró que Andy era un director con estilo pero con conciencia muy grande de la narrativa.

La película gira entorno a dos niñas que, durante una noche, ven la presencia de Mamá, un extraño y horroroso ser que las persigue. Posteriormente, este cortometraje se convirtió en una película que, obviamente, produjo Guillermo del Toro, la cual también llevó el nombre de Mamá - 65%.

Benh Zeitlin - Glory at Sea

En 2012, el primer largometraje de Benh Zeitlin, Una Niña Maravillosa - 86% arrasó en el circuito de festivales, ganando los premios más importantes del Festival de Sundance y del Festival de Cannes, además obtuvo cuatro nominaciones al Óscar. Pero la financiación de esta película no hubiera sido posible si Zeitlin no hubiera ganado un premio en South by Southwest en 2008 por su cortometraje Glory at Sea.

Con la misma estética de utilizó en su película y un pequeño protagonista, Glory at Sea sigue a un grupo de personas que construye un bote desde los escombros en Nueva Orleans para rescatar a sus seres queridos atrapados en el mar. Representando el dolor posterior al huracán Katrina y con una abrumadora sensación de realismo mágico, el corto ofrece una encapsulación del estilo de Una Niña Maravillosa y con aspiraciones igualmente épicas.

Michael Gondry - Human Behaviour

Michel Gondry, al igual que Spike Jonze y David Fincher, dio el salto a la gran pantalla luego de dirigir videos musicales. En 1993, el estilo de sus primeros videoclips para su banda Oui Oui, llamó la atención de Björk que le pidió que dirigiera un video para su canción “Human Behavior”. En esta producción, Gondry muestra su característico estilo: un enfoque de stop-animation-esque con el cual se representan las mecanizaciones de sueños e imágenes glitchy.

La estética neosurrealista catapultó a Gondry a ser el director de videoclips más importe, lo que lo llevó a dirigir videos para Radiohead y Beck antes de llamar la atención del guionista Charlie Kaufman con quien colaboró en sus dos primeros largometrajes: Human Nature - 49% y Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos - 93%.

Otro cortometraje que fue esencia para el ascenso de Gondry fue el que realizó para el comercial de Levis 501 titulado Drugstore en 1996.

Martin McDonagh - Six Shooter

Para ser justos, Martin McDonagh fue un dramaturgo de fama mundial mucho antes de probar suerte en el cine. Su retorcida comedia negra, The Pillowman, ganó dos premios Tony cinco años antes de recibir su nominación al Óscar al mejor guión original por En Brujas - 84%.

Aún así, McDonagh no se habría ganado los créditos necesarios para llevar a cabo En Brujas y más tarde Siete Psicópatas - 83% si no hubiera sido por el cortometraje ganador del Óscar en 2006 titulado, Six Shooter. El cortometraje de 27 minutos es una idea parecida a la de En Brujas, siguiendo el patrón que lo ha hecho famoso: una trageida cargada de humor que gradualmente se vuelve menos realista y más violenta. Six Shooter también fue la primera colaboración de McDonagh con el actor Brendan Gleeson.

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Lynne Ramsay - Small Deaths

Con su debut en 1999 con Ratcatcher, Lynne Ramsay se convirtió en una de las favoritas de la crítica y, hasta ahorita, su película más aclamada ha sido TTenemos que Hablar de Kevin - 76% con la cual ha demostrado ser una artista capas de adaptar al cine sus historias con su visión extraordinaria. Inmersivas y a veces abrumadoras, las películas de Ramsay abundan en imágenes poco comunes que atraen por su notable uso de texturas, composición, color, música y sonido.

Small Deaths fue su tesis de la escuela de cine y también ganó el Premio del Jurado del Festival de Cannes. Small Deaths es una colección de tres momentos clave en la juventud de una niña, el cual ofrece una experimentación lúdica pero sofisticada gracias a una composición no tradicional y los paisajes sonoros expandidos, elementos que se convertirían en su firma.

Paul Thomas Anderson - Cigarettes & Coffee

El director amado por la crítica por sus películas Petróleo Sangriento - 91% y The Master: Todo Hombre Necesita un Guía - 85% debe su carrera a una gran oportunidad en el Festival de Sundance en 1993. Paul Thomas Anderson gastó su fondo universitario y algunas ganancias para hacer su cortometraje, Cigarettes & Coffee, el cual cuenta la historia de cinco personas interconectadas a través de un billete de 20 dólares. Gracias a ete corto, Anderson fue invitado al laboratorio de cineastas de Sundance, donde trabajó para adaptar el corto a un largometraje, el cual se convertiría en Sydney: Juego, Prostitución y Muerte, la cual estrenó en el Festival de Cannes en 1996, lanzando una de las carreras cinematográficas más importantes de la última década.

John Lasseter - Luxo Jr.

En 1986, Steve Jobs compró Lucasfilm por tan solo US$5 millones. Cabió el nombre de la compañía a Pixar e inmediatamente preparó a uno de sus animadores, John Lasseter, para trabajar en un cortometraje animado que mostraría lo que la incipiente compañía era capaz de hacer.

Luxo Jr. cuenta la historia de una bulliciosa y pequeña lámpara. El corto se convirtió en el primer cortometraje animado tridimensional en ser nominado al Óscar y la lámpara se convirtió en la identidad corporativa de Pixar. Lasseter continúo dirigiendo películas como Toy Story - 100%, Bichos: Una Aventura en Miniatura - 92%, Toy Story 2 - 100%, Cars - 74% y Cars 2 - 39%, además, asumió el cargo de director creativo de los estudios Pixar y Disney.

Tim Burton - Frankenweenie

En 2007, Disney llamó a Tim Burton para dirigir una nueva versión animada en stop-motion del cortometraje Frankenweenie de 1984, en aquellos años, Disney le encargó la realización de un cortometraje original en acción real para que precediera el relanzamiento de Pinocho en los cines. Sin embargo, el tono sombrío de la película no cumplió con las expectativas del estudio para una película familiar, por lo que Disney decidió archivar el proyecto y despedir al cineasta. Afortunadamente, Paul Reubens estaba buscando un director para una idea que había estado desarrollando. Stephen King había visto el corto de Burton y lo recomendó encarecidamente a Reubens, quien acordó reunirse con él y le ofreció realizar su primera película, la cual sería La Gran Aventura de Pee-wee - 92%.

La versión animada de este corto en un largometraje se lanzó en 2012 bajo el mismo título, Frankenweenie - 87%, la cual recibió una nominación al Óscar en el rubro de mejor película animada.

George Lucas - Electronic Labyrinth THX 1138 4EB

Como estudiante de cine en la Universidad del Sur de California en 1967, George Lucas dirigió Electronic Labyrinth THX 1138 4EB, un cortometraje de ciencia ficción sobre un grupo de personas que viven en una distopía. En enero de 1968, este corto ganaría el primer premio en la categoría de películas dramáticas en el tercer National Student Film Feswtival celebrado en el Lincoln Center, donde, por cierto, fue visto y admirado por Steven Spielberg.

El reconocimiento que tuvo este corto fue suficiente para que Francis Ford Coppola financiara una película basada en el corto a través de su recién fundada productora American Zoetrope en 1971. El largometraje fue titulado THX 1138 - 88%, sin embargo, ésta no fue un éxito comercial. A pesar de su pobre recibimiento en taquilla, capturó a los críticos.

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Wes Anderson - Bottle Rocket

La versión original en blanco y negro de Bottle Rocket en 1994 de Wes Anderson, probablemente haya hecho más para lanzar la carrera de su director que cualquier otro cortometraje. Su realización casi se ha vuelto apócrifa: en 1992, Anderson y Owen Wilson se conocieron en una clase de dramaturgia en Austin. Escribieron un guión juntos que seguía las hazañas de tres posibles delincuentes que serían interpretados por Robert Musgrave, el propio Wilson y su hermano Luke Wilson. Durante el Festival de Sundance de 1994, Bottle Rocket recibió poca atención por parte de los críticos y asistentes, pero logró llamar la atención del productor James Brooks, quien financió la película debut del dúo basada en el cortometraje también titulada Bottle Rocket - 85%.

La diferencia entre el corto de 13 minutos y el largometraje de 92 minutos es, principalmente, cosmética: la narración se amplió y se utilizó la fotografía en color. Tampoco se usó la música de jazz para tener una nueva partitura de Mark Mothersbaugh. Tras su lanzamiento, la película ganó un estatus de culto entre críticos y cinéfilos, por ejemplo, Martin Scorsese la nombró como una de sus diez películas favoritas de la década. Los reconocimientos ganados llevaron a que Disney financiara su próximo proyecto, el cual fue Tres son Multitud - 89%.

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