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5 finales ambiguos que seguimos sin entender

¿Fue todo un sueño? Y si no, ¿qué pasó al final?

Esta semana informamos que el director/escritor Christopher Nolan intentó explicar el final de su película El Origen con resultados mixtos por parte de la audiencia. Aprovechando este suceso, decidimos que es el momento perfecto para hacer una mirada retrospectiva hacia los mejores cinco finales ambiguos de la historia del cine.

Algunas películas terminan definitivamente atando los eventos en un orden con sentido directo. Algunas no. Estas cintas que trascienden la narrativa tradicional tienden en quedarse con los cinéfilos mucho después que salen del cine, y a pesar de que a veces provocan controversias, son más que vale la pena ver. Para esta lista, estamos enfocados en esas cintas cuya conclusión están abierta a la interpretación. Y, como pueden esperar esta lista contiene grandes spoilers, así que ¡ALERTA DE SPOILERS!

5# El Resplandor (1980) - 92%

Una cinta de terror psicológico, producida y dirigida por Stanley Kubrick, coescrita por el novelista Diane Johnson y protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, y Scatman Crothers. La cinta es basada en una novela de Stephen King del mismo nombre (1977), a pesar de que la película y novela difiere de maneras significantes.

Stanley Kubrick fue un maestro en tener a su audiencia sentir exactamente lo que él quería. Su filmografía completa está llena de significados alternativos e innumerables análisis se han hecho al respecto por críticos y fanáticos por igual, tratando de analizar sintácticamente lo que sus cintas significan, pero El Resplandor es una de las más confusas.

Desafiando cualquier respuesta sencilla, El Resplandor todavía aterroriza hasta ahora por su escasez de definición clara. Una metáfora del alcoholismo, familia disfuncional y/o violencia, la descendencia hacia la locura de Jack Torrence llega a un final famosamente confuso, con la cámara del director acercándose a una vieja fotografía en blanco y negro del Overlook Hotel de 1921, contendiendo a Jack en el centro de la fiesta, por consiguiente implicando que ha estado ahí mucho antes que la película comenzara y tal vez ¿por siempre? ¿Jack es un fantasma o la película completa es un ardid? Hasta con las teorías rodeando El Resplandor (algunas detalladas en el documental Room 237), la obra maestra de terror de Kubrick termina con una inolvidable imagen abierta a la interpretación.

4# Blade Runner (1982) - 91%

El trabajo de ciencia ficción/neo-noir trascendental de Ridley Scott fue en vez un intento ordinario cuando se lanzó por primera vez en 1982. Esta situación cambió cuando se remasterizo la cinta en el “Director’s Cut” de 1992, la cual inmediatamente se convirtió en la versión definitiva de la cinta. Fue protagonizada por Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young y Edward James Olmos. El guión fue escrito por Hampton Fancher y David Peoples, es una adaptación cinematográfica de la novela Do Androids Dream of Electric Sheep? de Philip K. Dick.

En el futuro, los “replicantes” son androides alterados con bioingeniería y Richad Deckard (Harrison Ford) es un Blade Runner, un policía encargado de capturar replicantes fugitivos que han ido en contra de sus programadores humanos. Un nuevo modelo de replicantes que están programados con memorias para remover su autoconciencia de su carencia de humanidad, son casi capaces de pasar la prueba Voght-Kampff, diseñada para detectar los rasgos humanos tales como empatía, haciendo la misión de Deckard más complicada, pero cuando se enamora de un replicante que realmente cree que es humana, debe preguntarse a sí mismo donde se encuentra su propia humanidad.

Usando una de las preguntas de ciencia ficción más entrañables acera de las cualidades que nos hacen humanos, Blade Runner presenta un simbolismo elegante y metáforas que preguntan si Deckard es un replicante también. El final, presentando un origami en forma de unicornio, que ofrece múltiples interpretaciones, inspirando teorías de fanáticos y estableciendo a Blade Runner como un trabajo eterno de ciencia ficción.

#3 La Cosa del Otro Mundo (1982) - 80%

Las cintas de terror son el campo perfecto para explorar el miedo de lo desconocido, pero raramente se sitúan más allá de la duración de la cinta tanto como La Cosa del Otro Mundo de John Carpenter. Capitalizada en el miedo del público de enemigos invisibles, una metáfora inteligente para la enfermedades y las diferencias perjudiciales. La Cosa del Otro Mundo permanece una de las cintas de terror más profundas de los años ochenta, gracias en gran parte a su conclusión, además de que contiene algunos de los mejores maquillajes y efectos prácticos.

Lo que hace a esta cinta excelente es que no ofrece ninguna respuesta. Tal vez “la cosa” es la muerte y tal vez no lo es en el final de la cinta. Mac Ready (Kurt Russell) podría ser un narrador de poca confianza en que sólo hasta un cierto punto puede probar que él es humano. La suposición es que “la cosa” ha sobrevivido, ya sea en uno de cuerpos de los sobrevivientes o está congelado debajo de la nieve, esperando para otro equipo de rescate para que lo despierte como los noruegos lo hicieron al principio, o justo como el reparto de esta cinta proporcionaron una serie de portadores después que los noruegos fallaron en contener la amenaza. Rehusándose en demostrar qué les pasará a los últimos dos sobrevivientes, es un clímax ambiguo de excelencia.

#2 El Luchador (2008) - 98%

Una cinta de drama de deportes de 2008, dirigida por Darren Aronofsky, escrita por Robert D. Siegel, y protagonizada por Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood y Mark Margolis. Aronosfky capturó el retorno de Mickey Rourke de la mejor manera dándole el papel de un luchador profesional fracasado intentando en hace su regreso hacia la fama. Randy “The Ram” Robinson da todo lo que tiene para reconstruir su vida pero apenas puede mantenerse a sí mismo en las últimas. Mickey Rourke y Marisa Tomei son más que capaces en llevar a cabo a sus respectivos personajes y todas sus fallas a la vida de una manera realista y cautivadora. A veces capaz de traer una lágrima en el ojo y en otras capaces de revolver los estómagos. Sin embargo, los encantos a lo largo de su totalidad contando una historia que todos son capaces de simpatizar con.

Después de sufrir un ataque al corazón pero insistiendo en seguir adelante, Randy finalmente consigue su pelea de regreso, pero su salud no resiste. Derriba a su oponente, por supuesto el movimiento fue acordado de antemano, y se prepara para su movimiento de firma, un cabezazo llamado “Ram Jam”, balanceándose encima de la cuerda, antes de tirarse. La cinta abruptamente se va a negros antes de ver que pasó. Es el ejemplo perfecto del poder de la edición, Aronofsky mantiene la pantalla negra por un periodo extendido de tiempo antes de ver los créditos, dejando el destino de Randy completamente desconocido. El luchador es un estudio de personajes, ni más ni menos, y aún así, un final abierto que funciona como muchas cosas, y el trabajo de cámara de esta cinta lo hace parecer muy real, quizá demasiado real.

#1 Psicópata Americano (2000) - 67%

Es una película americano/canadiense que mezcla los géneros del suspenso psicológico y la comedia. Dirigida y coescrita por Mary Harron y basada en la novela del mismo nombre por Bret Easton Ellis de 1991. La cinta es una sátira que ingeniosamente equivale al materialismo, narcisismo, misoginia y el clasismo con homicidios, pero puedes reírte de una manera tan ruidosa del protagonista que no podrás oírte a ti mismo riéndote con él.

Patrick Bateman (Christian Bale), mientras se la pasa dando hachazos y cuchilladas a través de Nueva York, disfruta sus asesinatos con una gran sonrisa en su cara. Sin embargo, al final de la cinta, se plantea una pregunta crítica sin ser completamente respondida: ¿acaso toda su conducta violenta estaba en su cabeza?

Estos fueron unos de los mejores finales ambiguos del cine. ¿Cuál te gusta más? ¿Eres más fan de los finales cerrados o abiertos? ¿Tienes alguna teoría acerca de estos finales mencionados?

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