Las mejores películas sobre metaficción de la historia

Don Quijote de la Mancha es considerada una novela innovadora y la precursora del modernismo en la literatura. Lo que hizo especial el trabajo de Miguel de Cervantes y Saavedra fue la forma en que existe una novela dentro de la novela misma, creando un mundo literario autoconsciente en la literatura. En evolución de cualquier forma de arte, hay un momento en que el ésta comienza a hacer preguntas sobre sí misma.

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Desde los años 60, la exploración que hace el arte sobre sí mismo ha sido una constante y esto llegó al cine. Denominada metaficción, en el cine se han hecho grandes relatos de cine sobre cine, algunos experimentan con el formato, otros con el negocio (principalmente en Hollywood), así como también fusiones genéricas; pero este tipo de relatos también permite a los directores hacer acercamientos autobiográficos sobre su trabajo. En seguida, presentamos las mejores películas sobre metaficción en la historia del cine.

Man with a Movie Camera - 97%

La vanguardia soviética trajo consigo la experimentación con el montaje y en ese momento, los cineastas comenzaron a hacer películas para hablar del cine sobre el cine. Eisenstein propuso diferentes categorías para editar, Kuleshov experimentó con la edición para probar qué parte de las emociones y las actuaciones dependen de la imagen anterior. Pero el más radical de ellos fue Dziga Vertov, este director no creía en contar una historia y veía la narrativa directa como un placer burgués, así que fue a filmar su ciudad, Moscú, sin un plan organizado.

El meta cine evolucionó más tarde de otras maneras, con muchas de las ideas aplicadas en una estructura narrativa, pero Vertov fue el primero que colocó este mecanismo que nos lleva a cuestionar qué estamos viendo y por qué lo estamos haciendo.

8½ - 98%

Esta es la meta película más importante. Después del éxito revolucionario de La Dolce Vita - 96%, Federico Fellini solo puedo encontrar inspiración para otra película a través de sí mismo y de su situación de bloqueo. Después de hacer una película que fue reconocida como una de las mejores piezas cinematográficas jamás realizadas, lo más importante que Fellini tuvo que expresar fueron sus sentimientos internos. Guido (Marcello Mastroianni) es un director de cine que sufre una falta de inspiración después de hacer una película exitosa. Presionado por todos los que lo rodean, su proceso de filmación se mezcla directamente con su vida personal.

Obviamente, hablando de sí mismo, Fellini realizó la película más compleja y hermosas sobre cine. La vida y el cine son imposibles de separar. Un crítico dijo una vez que Fellini hizo una película tan increíblemente personal que terminó que terminó haciendo una declaración universal.

F De Falso - 88%

Orson Welles hizo un documental sobre el falsificador de arte Elmyr de Hory, y aplica las mismas reglas del hombre que retrata. Welles miente a la audiencia y no tiene miedo de decirnos. En la presentación sabemos que la mitad del documental será una mentira y que nos va a engañar. La película se mueve desde la narrativa principal y hace un viaje por la vida de Welles, la historia del arte y la naturaleza del documental. Welles nos muestra cómo todo en un documental es una construcción narrativa, y cómo la edición es una parte importante cuando un cineasta se convierte en su propia narrativa y cómo no debemos creerlo tan fácilmente.

La Noche Americana - 100%

La película que destruyó la amistad entre Jean-Luc Godard y François Truffaut es uno de los ejemplos centrales de películas sobre cine. Está protagonizada por el propio Truffaut como Ferrand, un director de cine que enfrenta problemas en medio de la producción. Con este obvio alter ego, Truffaut muestra el proceso de la realización de películas como una tarea exhaustiva donde las emociones no están controladas y todos tienen algo más importante por hacer.

¿Cuánto puede sacrificar alguien por el cine? ¿Puede alguien renunciar a su vida por filmar? Estas preguntas no podrían ser más personales viniendo a Truffaut, un cineasta con un gran y profundo amor por el cine, y todas las emociones involucradas en hacer una película, se muestran como una película que se muestra como algo que consume la vida poco a poco.

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Monty Python and the Holy Grail - 97%

La comedia fue uno de los primeros géneros en explorar la autorreflexión como herramienta, debido al potencial que la parodia tenía para hacer reír a la gente. Las convenciones cinematográficas son una de las formas de hace que cada película se vea igual sin hacer una reflexión.

Monty Python no era un equipo interesado en retratar a la sociedad de manera realista; en su lugar, preferían exagerar y hacer que todo fuera más grande y ridículo. En su primer largometraje, hicieron una epopeya basada en el Rey Arturo, y revelaron todo lo demás. Desde el indiscutible coraje de sus personajes hasta la grosería del villano, Monty Python and the Holoy Grial fue una película divertida porque se burló de lo que se suponía que era la película, por ejemplo, del sonido no realista de la película: escuchamos el sonido de los caballos antes de que aparezcan y descubrimos que alguien se encarga de golpear un par de zapatos para hacer ese sonido. Monty Python hizo de esta manera una broma divertida y, al mismo tiempo, una reflexión anticipada sobre la naturaleza del sonido en las películas.

La Rosa Púrpura del Cairo - 91%

Las películas de Woody Allen están llenas de referencias cinematográficas, su pasión por hacer películas proviene de su cinefilia y no oculta ese hecho. Fellini y Ingmar Bergman son claramente sus dos directores favoritos y los más referenciados en sus películas, pero juega con sus temas de una manera más relajada y ligera. Sus películas son más un homenaje honesto a sus ídolos y a la experiencia de ver una película. Su carta de amor más explícita a esta experiencia es La Rosa Púrpura del Cairo. Cecilia (Mia Farrow) es una camarera desmotivada que corre todas las noches al cine para desconectarse de sus problemas. Ella se compromete especialmente con la película que da título a esta cinta ya que va a verla todos los días.

De repente, el personaje principal se da cuenta de que puede hablar con los personajes de la película. La película también habla del difícil amor entre la vida y el cine.

El Juego de Hollywood - 98%

Robert Altman siempre fue un forajido dentro de Hollywood, sacando películas con narrativas convencionales con un punto de vista autoritario. Este camino fue fácil para Altman ya que siempre encontraba diferentes dificultades en los estudios. Cansado de una industria homogénea y no creativa, hizo una película al respecto. Tim Robbins retrata a un cruel productor ejecutivo a cargo de elegir películas con potencial. Cuando comienza a recibir amenazas de muerte por correo, la película se convierte en un thriller oscuro.

La película está llena de meta bromas por todos los lados. Altman lanza dardos contra cada convención de Hollywood sobre cómo debería ser una película y las restricciones a las que se enfrenta una película valiente. Hacia el final, las meta referencias comienzan a ir hacia una dirección más seria, convirtiendo la película en una historia mucho más compleja.

Sueños, Misterios y Secretos - 81%

Aunque no es fácil saberlo al principio, la influencia de Fellini en David Lynch parece ser bastante grande. El espectáculo puede ser más grande que la vida, y la manera en la que se desarrolla la vida no es tan diferente a la de un carnaval. Este enfoque fellinesco se lleva a su versión más sombría en Sueños, Misterios y Secretos, de Lynch.

La película es difícil de construir, pero la trama principal es un poco más sencilla. En medio de la historia de Betty (Naomi Watts) ayudando a Rita (Laura Harring) a recordar su identidad, vemos al director de cine Adam Kesher (Justin Theroux) tratando de sacar sus películas, evitando la presión del estudio. La figura del productor es reemplazada por un jefe mafioso y la figura del director es vista como una marioneta hecha para el uso de grandes estudios.

Lynch, al igual que Altman, siempre ha sido un extraño dentro de Hollywood, y es fácil imaginar esta escena como una versión más oscura de sus propias experiencias. A medida que la película se desarrolla y las subtramas se vinculan, nos damos cuenta de la importancia de esas escenas.

El Ladrón de Orquídeas - 91%

El Ladrón de Orquídeas comienza en medio de una de las escenas de la película anterior de Spike Jonze.

Nicolas Cage interpreta a Charlie Kaufman , el escritor del guión de la película, y se presenta a sí mismo como un solitario. Kaufman le muestra al mundo la carrera de un guionista sombrío e ingrato, donde el éxito es para todos menos para el escritor. Kaufman exagera y se burla de sí mismo, mostrando a un hermano gemelo exitoso (interpretado también por Cage) escribiendo guiones de mala calidad y disfrutando de los placeres de la vida. Kaufman se burla de la industria, de su propio papel, pero su película tiene algo en el fondo más allá de una burla: es un retrato de la creatividad como un proceso, imposible de apartarse de la vida misma.

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Holy Motors - 91%

Holy Motors es una película construida alrededor del significado de la película, y salta a través de sus diferentes etapas. Leos Carax hizo una película haciendo referencia a la forma en que nos comportamos frente a una película Denis Lavant, su actor fetiche, interpreta a un hombre que desempeña diferentes roles. El Sr. Oscar recorre la ciudad ene una limusina con diferentes vidas, pero no está frente a una cámara, por lo que no es un actor. Usa maquillaje y cambia su rostro para entrar en cada personaje, salta de la limusina, interpreta al personaje y vuelve a interpretar a otro.

Llena de referencias a películas anteriores de Lavant y Carax, la película es un homenaje a Lavant, y una forma de volver a la inocencia primitiva de una experiencia visual. Holy Motors es una de las mejores películas de la década.