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Directores que han hecho las películas más inquietantes y perturbadoras

El cine siempre ha mostrado acontecimientos perturbadores, pero estas películas se han convertido en las más inquietantes debido a sus imágenes o narrativas

El cine siempre ha mostrado un interés por representar lo más desagradable, provocativo y perturbador, aunque el género ideal siempre ha sido el de terror. William Friedkin, director de El Exorcista - 87% y Contacto en Francia - 98%, una vez dijo: “Si no fuera director, podría haberme convertido en un asesino serial”. Sus palabras revelan mucho sobre el oficio y el tipo de personajes que le interesaban y lo definieron como cineasta. Pero de forma general, los cineastas siempre han tratado de sorprender y provocar a las audiencias explorando, simultáneamente, nuestras pesadillas más siniestras y nuestros deseos más oscuros.

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Sin embargo, fue hasta la mitad del siglo XX que las leyes de censura relajaron sus límites éticos sobre qué podía y debía representarse. En ese tiempo, surgieron películas que buscaban explorar los recovecos más oscuros de la mente y, desde entonces, se han lanzado películas cada vez más inquietantes que han probado lo que la audiencia puede soportar. Esta característica polarizante del cine se puede leer de muchas maneras, por ejemplo, puede ser un medio para abordar nuestros propios miedos o nuestros propios impulsos violentos; también puede servir como una crítica a la sociedad y como una evolución de la capacidad y el consumo de violencia de la humanidad. Muchos cineastas a los que le gustan realizar imágenes perturbadoras han ganado una reputación controvertida, sus tendencias tonales eclipsas su capacidad de filmación, pero esta reputación, en muchos casos, ha sido la base de sus carreras.

A continuación, seleccionados a algunos de estos cineastas que han impulsado su carrera con algunas de las historias más inquietantes de la historia del cine (vía Taste of Cinema).

Ruggero Deodato

Apodado cariñosamente como “Monsieur Cannibal”, Ruggero Deodato es el cineasta italiano famoso por volver a popularizar las películas de caníbales a finales de la década de 1970. En 1977, el director lanzó Last Cannibal World, y declaró su intención de rejuvenecer un género diseñado para disgustar y aterrorizar. Sus películas se caracterizaron por su violencia, gore y galones de sangre. La película más inquietante y reconocida de Deodato es, Holocausto Caníbal - 65%. La película sigue a una misión de rescate para encontrar a un equipo de cineastas que han sido capturados por una tribu caníbal. Los cineastas aparecen muertos, pero la película da un giro inquietante.

La película es una de las primeras películas found footage y su estilo documental solo eleva su brutalidad general. Somos testigos de múltiples violaciones, amputaciones, decapitaciones y torturas. La revelación de que el equipo de filmación son los verdaderos salvajes, hacen que la película sea aún más perturbadora.

Eli Roth

Eli Roth comenzó su carrera como actor antes de ponerse detrás de la cámara para crear filmes verdaderamente inquietantes. Fanático del horror desde temprana edad, Roth estuvo expuesto a la violencia, la sangre y las imágenes inquietantes desde pequeño lo que daría forma a su carrera. Sus películas como director son conocidas por su gran cantidad de sangre y cómo la aplica a nuestras pesadillas más grandes. Cabin Fever (2016) - 0% funciona como un sueño febril que materializa nuestras mayores ansiedades sobre la enfermedad. Sin perspectivas de esperanza y una realidad vil asfixiante, el efecto perturbador se intensifica a lo largo de la película.

Roth continúo su carrera con Hostal - 61% y Hostal: Parte II - 44%, donde perfeccionaría su inquietante habilidad para representar la tortura de forma realista. La forma en la que tortura y abusa de sus personajes, con una innovación cada vez más siniestra, sellaría su lugar como una de las mentes más perturbadoras que trabajan en el cine. En 2013 lanzó su homenaje a Ruggero Deodato en su película, Caníbales - 34%.

Ari Aster

El nombre de Ari Aster sonó en todo el mundo apenas el año pasado gracias a su galardonado filme, El Legado del Diablo - 96%, sin embargo, el director llevaba años realizando cortometrajes de terror. Su mediometraje The Strange Thing About the Johnsons fue muy exitoso en el circulo de festivales. Su ópera primera (El Legado del Diablo) ha sido una de las más inquietantes de la última década ya que volvió a las bases del terror clásico, pero también porque mostró escenas perturbadoras que provocaban miedo real, el escenario no era otro que la familia y sus traumas.

Su más reciente película, Midsommar: El Terror No Espera La Noche - 98%, ha sido aclamada por la crítica y ya se ha convertido en una de las mejores películas de este año.

Wes Craven

Wes Craven es, por supuesto, el maestro de terror mejor conocido por las películas Scream: Grita Antes de Morir - 78% y Pesadilla en la Calle del Infierno - 94%, y aunque estas películas son inquietantes, su trabajo más perturbador llegó de forma temprana en su carrera. Craven fue experto para realizar escenas gore y escenarios de pesadilla realistas, y creía firmemente que la violencia en el mundo real podría ser más aterradora que la violencia en la ficción. Su debut, The Last House on the Left, sigue siendo una de las películas más retorcidas que existe. En la película observamos minuciosamente cómo dos chicas son horriblemente torturadas, violadas y tienen una muerte espantosa. El único rayo de esperanza que Craven nos ofrece es la venganza de uno de los padres que inflige a los perpetradores. Este estilo lo seguiría en la película La colina de los ojos malditos - 64%.

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David Cronenberg

David Cronenberg ha sido llamado por mucho tiempo como “El barón de la sangre”, debido a su infame uso de los efectos visuales revolucionarios y repugnantes. Él es un maestro en el abuso de la carne y en la creación de imágenes desagradables que tienen el propósito de disgustar a la audiencia y reflexionar sobre nuestra relación con nuestros cuerpos. Toma la enfermedad, la corrupción y la experimentación científica para colocarlos en sus historias como cuerpos en descomposición, que han mutado o son heridos. Las películas de Cronenberg hablan sobre la forma en la que lo interno afecta lo externo como lo mostró en el clímax de La Mosca - 91% o, por ejemplo, Max Renn (James Woods) sacándose una pistola del estómago mientras su obsesión por los videos violentos comienza a apoderarse de su carne en Cuerpos Invadidos - 80%.

En su trabajo más actual, Cronenberg cambió la violencia psicológica por el mundo real. Atrás quedaron los mundos surrealistas de los cuerpos deformados y, en su lugar, un mundo más real de las mentes deformadas.

Darren Aronofsky

Sin duda, Darren Aronofsky es uno de los directores más divisivos, pero no podemos negar que es un director intransigente y un hombre con una visión inquebrantable. Sus películas abarcan desde épicas bíblicas controvertidas hasta pesadillas cinéticas alimentadas por drogas. Como director, Aronofsky está obsesionado con la condición humana y los extremos a los que nuestros diversos demonios pueden llevarnos. A menudo, estos demonios se manifiestas a través de la meticulosa guía de Aronofsky en forma de lo grotesco y lo repugnante. Réquiem por un Sueño - 78% es una película sobre la adicción y las diversas drogas utilizadas para evadir la realidad. En 2017, Aronofsky lanzó su película más inquietante a la fecha: ¡madre! - 69%La película está diseñada para provocar y disgustar a los espectadores sobre la naturaleza oscura que vive dentro de nosotros. A lo largo de su metraje, la película desciende lentamente a la locura y es a través de esta locura que la mente inquietante de Aronofsky se desata. A partir de ahí, vemos muchas escenas de ansiedad, sangre y la canibalización de un bebé recién nacido.

Lars von Trier

Parece que el objetivo de Lars von Trier como cineasta no es otro que provocar al público. En sus películas, la angustia y brutalidad es ejercida por personas aparentemente normales. Es un cineasta brutalmente honesto que opera de manera inquietante para explorar el lado oscuro de la naturaleza humana, entre estos trabajos se encuentran Los Idiotas, Dogville - 70%, Anticristo - 50% y Ninfomanía: Primera Parte - 75%. Lo que hace que estas películas sean tan inquietantes, aparte de su enfoque directo para representar terribles acontecimientos, es la forma en la que están tan arraigadas a la realidad. En Los Idiotas - 70%, uno de los primeros trabajos del Dogma ’95, adopta un enfoque documental para representar la vida de un grupo de personas que fingen tener una discapacidad mental para que puedan expresarse sin inhibiciones. La película es, por supuesto, controvertida, pero lo que quizás sea más perturbador es lo incómodo que es ver a estar personas actuar de manera inapropiada. El estilo cinematográfico del Dogma hace que estas películas sean increíblemente inquietantes.

Con Dogville y Ninfomanía, Von Trier evoca algunos momentos realmente perturbadores que muestran a los vulnerables ser depredados por las personas en las que más confían. Es esta ruptura de confianza desgarradora, el punto de partida para creer que todos son sádicos en el fondo. Con Anticristo, el director lleva su perturbadora mente al límite.

David Lynch

David Lynch, sin duda, pasará a ser uno de los mejores cineastas que haya existido. Lynch cambió la forma en que nos relacionamos con la realidad, a menudo de la manera más cinematográfica y grotesca que se pueda imaginar. El debut del director fue Cabeza de Borrador - 91%, una película que representa a un padre exasperado (Jack Nance) tratando de cuidar a su bebé mutante. Cabeza de Borrador existe en un paisaje de pesadilla surrealista donde la carne cocida rezuma un líquido extraño. Lynch se especializa en manifestar nuestras pesadillas, en hacer que lo invisible sea visible y palpable. El bebé mutante en Cabeza de Borrador sirve como una representación física de la ansiedad y el miedo que rodea convertirse en padre. El cuerpo deformado de John Merrick (John Hurt) en El Hombre Elefante - 90% representa la encarnación de los prejuicios y la vanidad de la sociedad. En resumen, Lynch utiliza imágenes perturbadoras como comentarios sociales y para revelar nuestras ansiedades más internas.

Gaspar Noé

Gaspar Noé es un cineasta muy controvertido que ha realizado pocas películas, pero cada una a su manera, y aparentemente sin vergüenza, para abordar algunos tabúes sociales. Es conocido por su etilo visual inconformista, su uso innovador de la cámara y sus narrativas inquietantes, que a menudo presentan personajes extremadamente trastornados e imágenes horribles. En su debut como cineastaI Stand Alone - 86%, una secuela de su cortometraje Cane, el cual comienza con una larga secuencia que representa la carnicería explícita y extremadamente realista de un cabllo, sirve como una introducción adecuada a la mente retorcida del director. La película contiene muchas escenas y nociones inquietantes, como un padre que desea a su hija mentalmente inestable que, finalmente sucumbe a sus deseos y abusa de ella. Sus siguientes películas continuarían su extraña obsesión por el sexo y la violencia.

Irreversible - 57% es una de las piezas más innovadoras que coloca que coloca la cámara como uno más de sus personajes. La película se cuenta a la inversa cuando un hombre (Vincent Cassel) busca desesperadamente vengarse del tipo que violó a su novia (Monica Bellucci). La secuencia de la violación es, en sí misma, una secuencia agonizantemente larga que dura muchos minutos. La violencia es extremadamente horrible. La obsesión de Noé con la ultraviolencia, el incesto y la violación son yuxtapuestas con su ingeniosa y elegante fotografía

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Takashi Miike

A pesar de ganarse una reputación como provocador y maestro de la violencia, Takashi Miike comenzó su carrera dirigiendo películas de comedia, no fue hasta la segunda mitad de su carrera que comenzó a trabajar en narrativas más inquietantes. Su película más reconocida es Ichi the Killer - 64%, la cual cuenta la historia de un asesino sádico atrapado en una guerra civil de Yakuza. Ichi es manipulado para convertirse en un asesino trastornado e impredecible que cobra vidas de la forma más violenta. La película contiene muchas escenas de tortura extrema y es considerada como un viaje aterrador a los lugares más retorcidos que operan en el inframundo criminal.

El cine de terror violento de Miike se ha hecho famoso en todo el mundo por su descripción extrema de los actos sádicos de violencia. Miike se desmorona en escenas de tortura que desafían la resistencia incluso de los fanáticos más duros.

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