Hideo Kojima opina sobre la adaptación de Ghost in the Shell

Hideo Kojima no es ajeno al mundo del cine, buena parte de los juegos de video que ha creado beben fuertemente de distintas fuentes fílmicas. Metal Gear Solid prácticamente no existiría de no ser por 1997: Escape de Nueva York - 84% de John Carpenter, y en este momento Kojima se encuentra ocupado con su nuevo proyecto: Death Stranding, un juego que cuenta con Norman Reedus como protagonista y a Guillermo del Toro y Mads Mikkelsen como personajes de este universo.

El realizador escribió largo y tendido sobre lo que fue la reciente adaptación de Hollywood de La Vigilante Del Futuro: Ghost In The Shell - 44%l. Si bien Kojima se muestra positivo en cuanto al aspecto estético de la cinta, señala que al estudio le quedó grande la encomienda de adaptar el relato cyberpunk a la pantalla grande.

A continuación, un extracto de lo que dijo Kojima en su texto para el sitio Glixel.

El título Ghost in the Shell se refiere a un libro escrito por Arthur Koestler en 1967 llamado The Ghost in the Machine y es un ensayo psicológico y filosófico. Koestler hace una crítica a lo establecido por Rene Descartes en el siglo XVII respecto a una dualidad entre la mente y el cuerpo, la primera como una entidad con voluntad propia y el segundo como quien ejecuta mecánicamente los movimientos. El concepto de “The Ghost in the Machine” pone a la mente como el “ghost” y al cuerpo como la máquina.

En el manga y anime la palabra “machine” fue reemplazada por “Shell”, tanto Masamune Shirow como Mamoru Oshii se cuestionaron qué ocurre cuando el “fantasma” se hunde de lleno dentro de la coraza artificial que lo contiene. Estas y otras preguntas han dado a la franquicia una complejidad y profundidad que se ha extendido más allá de sus fronteras.

Podría decirse que, si el “ghost” es el tema que maneja la franquicia, los diferentes medios en los que se ha diseminado son el “Shell”. El manga original contenía personaje llenos de vida, humor y bastante acción. A finales de los 80, fecha de su publicación, la idea de una red tecnológica que tuviera a los seres humanos conectados en todo el mundo era, sin duda, un concepto novedoso. Para cuando salió la cinta animada de Oshii, el Internet daba sus primeros pasos y esto fue un hecho que no pasó desapercibido para el realizador.

La interpretación de Hollywood, sin duda, se presenta de la manera idónea en la que una producción como ésta debería. Es una gran puesta en escena con vistosos efectos especiales, ideal para los que se sientan intimidados por las anteriores presentaciones que contenían un corte filosófico más marcado. La cinta se resume en una serie de recreaciones leales de la obra animada; por un lado, esto no es malo y se puede respetar ese ejercicio de mímica, sin embargo, como fan de la saga original no puedo evitar sentir que esta versión está atrapada en la coraza de sus predecesoras y, por ende, no logra tener vida propia.

Tanto el manga como el anime original diseccionaban el concepto de dualidad entre la mente y el cuerpo, con lo que se planteaba el siguiente cuestionamiento: ¿qué significa ser humano? La película reduce este tema y lo simplifica a la pregunta ¿quién soy? Con esto, la historia se desarrolla más como un The Bourne Identity futurista, donde la protagonista tiene que desentrañar el misterio de su identidad.

El simple hecho de ver a Scarlett Johansson investigar el misterio y saltar de una escena de acción a otra puede ser todo lo que se necesite para disfruta la cinta. Sin embargo, al dejar el cine y volver al mundo real, los personajes de la historia se quedan atrapados en este caparazón. La cinta carece del alcance e impacto que tuvieron tanto el anime como el manga, aunque esto puede que no sea totalmente culpa de la película. En 1995 el Internet se sentía vasto, infinito y misterioso, en 2017, con smartphones conectados entre sí por todos lados, la sensación de descubrimiento se ha perdido.

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